Corto Promocional. Guionista convierte a guión novelas.
Guión de Rose Black:
Video Creado con CANVA:
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miércoles, 12 de abril de 2023
martes, 11 de abril de 2023
HOY QUE NOS GRADUAMOS
Escenas de graduación.
Guión de Rose Black:
https://www.youtube.com/channel/UCZYGUdhqBMx94Liq0JOZ_2Q
Video Creado con CANVA:
https://www.canva.com/join/lpq-fyv-jrx
¿DONDE ESTÁN LOS HOMBRES?
Tras un desengaño, Lorena se encuentra con su amiga Francesca en el bar donde suelen quedar. Ahí, Lorena se desahoga y las chicas tienen una conversación en la que Lorena se pregunta dónde están los hombres, puesto que, como ella afirma, hasta ahora, ella sólo ha tenido citas con cobardes, mentirosos, casados y hombres medio-raros.
Guión de Rose Black:Video Creado con Esteve.AI:
sábado, 26 de septiembre de 2020
Escribir Para Cine O Para Teatro vs Trabajo De Oficina
¿Qué es más preferible?¿Escribir un guión cinematográfico o un libreto de teatro o conformarse con el trabajo en una oficina de colores grises que convierten el día a día en un bucle de monotonía? La respuesta es bastante complicada. Ambos, guion y libreto, tienen unas reglas de formato, una forma y un estilo muy concretos,...incluso puedes encontrar en la red programas informáticos que pueden servirte para el uno, para el otro...o para ambos, mientras que el trabajo de oficina es siempre un bucle en el que cada día es igual al día anterior y al siguiente. Pero antes de tomar una decisón y comenzar a ponerte a trabajar es preciso que te hagas un pequeño cuestionamiento, o puede que dos. El primero es este:
"El trabajo de escribir una historia que va a ver mucha gente, empezando por el productor del proyecto y terminando por todos y cada uno de los actores, suele ser bastante solitario. No es posible negar que quienes se dedican a algo así son personas que trabajan duro y sin horarios de entrada y salida. Evidentemente no se parece en nada a un trabajo en una oficina en la que hay jefes, compañeros, horarios...Si trabajas en una oficina es facil: vas, haces lo que se espera de tí y, llegada la hora, te vuelves a casa. Pero eso no pasa si trabajas como guionista o como libretista.
En este último caso tu oficina es tu casa, un café, la biblioteca, o cualquier lugar en el que haya un ordenador. Algo que hay que tener muy claro es que en una oficina sacrificas tu tiempo a cambio de un sueldo, pero, en cambio, si eres guionista o libretista sacrificas la posibilidad de un sueldo seguro a cambio de tener tiempo. Sabiendo esto ¿realmente estoy preparado o preparada para seguir ese camino?"
Si la respuesta es sí ahora viene la segunda pregunta:
"En una oficina tienes un salario asegurado cada fin de mes. Trabajando como guionista o libretista eso no sucede nunca. De hecho los que trabajan en esos oficios por dinero, rara vez logran cumplir su sueño de ganar dinero y hacerse ricos de la noche a la mañana. Con eso en mente ¿Porqué me quiero dedicar a escribir para cine o para teatro?¿Lo hago por dinero, porque me gusta lo que quiero hacer?"
Contestar a este último cuestionamiento es un poco más dificil y todo depende de cada uno. Ten en cuenta que si lo haces por las razones correctas y estás preparado o preparada para cambiar tu estilo de vida de un modo tan radical. es muy posible que te vaya muy bien e incluso llegues a tener cierto exito con las historias que escribas. En caso contrario, si eres honesto u honesta contigo mismo o misma, mi consejo es que sigas adelante en el trabajo en el que estás.
miércoles, 16 de septiembre de 2020
Dramarts: Plataforma Para Teatro
En la parte de arriba he añadido recientemente mi perfil en una plataforma dedicada exclusivamente al teatro. En ella puedes inscribirte de forma gratuita sin importar cual sea tu profesión dentro del mundo del teatro: Actor/Actriz, Dramaturgia, Iluminación, Sonido, Maquillaje...
La plataforma se llama DRAMARTS, es pracitcamente nueva y tiene muchas posibilidades para organizar todo lo relacionado al montaje de una obra de teatro: Castings, Edicion del texto a representar, Ensayos, Vestuario,...
Si tienes una compañía de artes escenicas, eres actor o dramaturgo, esta app es lo que necesitas para mantener al dia las producciones de tu compañia.
Entra en:
https://www.dramarts.com/en/join/user/3949/3949 (ingles),
https://www.dramarts.com/es/join/user/3949/3949 (español)
o https://www.dramarts.com/fr/join/user/3949/3949 (frances) y registrate en la primera app dedicada al mundo del teatro.
martes, 15 de septiembre de 2020
'Escenario 0' (HBO): ¿y si el futuro del teatro también pasa por la televisión?
Hablamos con Irene Escolar y Bárbara Lennie, creadoras de 'Escenario 0' (HBO), sobre este ambicioso proyecto que recupera y adapta seis obras de teatro para la televisión
Se encienden las luces y no, no se levanta el telón, solo vemos el logo de HBO (o ponga aquí su plataforma más recurrente). Tampoco estamos sentados en una butaca, sino en el sofá de casa. No es lo mismo, pero menos mal que tenemos esto. Este fue el consuelo de los aficionados al cine y al teatro durante el confinamiento. Y ahora, que volvemos a pasar por taquilla, lo que era consuelo también es oportunidad. Incluso para el teatro, sin público en el patio de butacas, pero con escenario: ‘Escenario 0’.
‘Escenario 0’ es la última propuesta de HBO España en la que el teatro y el audiovisual se fusionan para llevar a la televisión seis obras que ya triunfaron sobre las tablas. Seis episodios (cada uno correspondiente a una pieza distinta) que están disponibles en la plataforma desde este 13 de septiembre y que surgen de la necesidad de teatro durante el confinamiento.
"Es una idea que nos surge hablando de lo que iba a pasar, de lo que podíamos hacer", nos cuentan Irene Escolar y Bárbara Lennie, creadoras de este proyecto, en una conversación telefónica con El CONFI TV. Reto que surgió de los escenarios vacíos, pero que ya se empezó a incubar con el patio de butacas lleno. "Lo de la adaptación es una cosa que al director de ‘Hermanas’ (Pascal Rambert) ya le hubiese gustado hacer con su obra anterior. Es algo que ya estaba en el aire, pero no teníamos cerrado nada", desvela Lennie.
'Hermanas', la obra que ya interpretaron Irene y Bárbara en el madrileño Teatro Pavón Kamikaze, es una de las seis elegidas para esta antología escénico-audiovisual con un sello personal. "Nosotras compartimos gustos teatrales", dice Escolar. "Teníamos una comunión de entrada y supimos por dónde tirar. Apoyar la dramaturgia en un momento como este nos parecía importante y así le presentamos este proyecto a HBO", recuerda la intérprete.
Teaser de 'Hermanas', el episodio de 'Escenario 0' protagonizado por Irene Escolar y Bárbara Lennie
¿Y cómo se come esto de la fusión escénico-audiovisual? Por ejemplo, en 'Escenario 0: Hermanas' tan solo vemos un escenario y a las dos actrices que ya interpretaran este texto en el teatro. Eso sí, los movimientos de cámara y la forma en la que las protagonistas se dirigen a ella transforman por completo la obra.
"Yo creo que 'Hermanas' puede interpretarse como teatro porque lo ubicas en ese espacio, pero no es teatro grabado, porque si lo ves, no tiene nada que ver con eso", dice Irene. Bárbara apunta: "Yo creo que cada uno lo ve o lo entiende de manera distinta. Hay gente que ve 'Mammón' como la más teatral, aunque es la que tiene más lenguaje cinematográfico".
martes, 23 de junio de 2020
La Voz En Off
Si estás escribiendo tu guión, es posible que te hayas enfrentado a esta situación:
Tienes una escena nueva. Uno de los personajes no se encuentra en pantalla.¿Como hago para hacerselo saber al que está leyendo el guión?
OK. En esta situación tenemos 2 opciones:
+V.O.
+O.S.
¿V.O y O.S.? ¿De que "tangai" me estas hablando ahora?, estarás pensando al leer estas lineas.
Ningún "tangai", es algo muy sencillo. Verás:
O.S.-> Significa "Off Screen", es decir, "Fuera de cámara". Es lo que debemos escribir entre parentesis y junto al nombre del personaje cuando este se encuentra en la localización de la escena, pero no en pantalla.
Por ejemplo, escondido tras las puertas de un armario y se pone a gritar para que otro personaje lo saque de allí o porque no encuentra lo que ha ido a buscar.
V.O.-> Significa "Voice Over", es decir,algo así como "Narración" o "Voz En Off". Es lo que tenemos que escribir entre parentesis y junto al nombre del personaje cuando este no se encuentra en escena.
Por ejemplo, cuando está al otro lado de la línea telefónica, o es el locutor de un programa de radio que otro personaje, que sí está en escena, se encuentra escuchando.
Algo que debes saber es que, como dice la web Creamundi en este artículo,
En las sit-coms americanas, rodadas con multicámara, se suele utilizar, en vez de O.S., el término O.C. (off-camera).
jueves, 18 de junio de 2020
Curso De FutureLearn: Desarrollo De Personaje
En este post vamos a hablar de algo importante: El Desarrollo De Tus Personajes. Para cada uno debes responder una serie de cuestiones:
Recuerda:
Si te animas a hacer el tuyo, no temas compartirlo en los comentarios.
- Enumera las principales acciones del personaje. Comienza desde el final y trabaja hacia atrás. (No analices cómo ni por qué; solo crea una lista de acciones).
- Analiza la lista para revelar los deseos y necesidades del personaje. ¿El personaje sabe lo que quiere?
- Describe cómo piensa el personaje y mira su psicología básica. ¿Inteligente? ¿Intelectualmente comprometido? ¿Sesgos cognitivos? ¿Impulsivo? ¿Cauteloso?
- Describe el afecto superficial del personaje. ¿Cómo podría un conocido casual describirlos?
- Enumera cualquier característica física importante
Recuerda:
Acciones importantes: Principales acciones del personaje.
Deseos y
Necesidades: ¿El personaje sabe lo que quiere?
Mentalidad: Cómo piensa el personaje
Afecto superficial :¿Cómo podría un conocido casual describirlos?
Aspecto
Fisico: Cualquier característica física importante
Si te animas a hacer el tuyo, no temas compartirlo en los comentarios.
Curso De FutureLearn: 5 Finger Pitch - 2 Manos
En el post anterior te hablé de una herramienta de guionistas llamado "5 Finger Pitch"
En este post lo vamos a ampliar, añadiendole otros "5 dedos" de esta manera:
Dedo Pulgar-> Hablamos de la primera mitad del Acto II
Dedo Indice-> Hablamos del punto medio de ese Acto II
Dedo Medio-> Explicamos de forma breve la segunda mitad de la historia
Dedo Cuarto-> Hablamos del mimento de duda de nuestro personaje, lo que lleva a la confrontacion
Dedo Meñique-> Nos enfrentamos al climax de la historia.
Con esto sería como tener nuestra historia explicada en los dedos de las 2 manos.
En este post lo vamos a ampliar, añadiendole otros "5 dedos" de esta manera:
Dedo Pulgar-> Hablamos de la primera mitad del Acto II
Dedo Indice-> Hablamos del punto medio de ese Acto II
Dedo Medio-> Explicamos de forma breve la segunda mitad de la historia
Dedo Cuarto-> Hablamos del mimento de duda de nuestro personaje, lo que lleva a la confrontacion
Dedo Meñique-> Nos enfrentamos al climax de la historia.
Con esto sería como tener nuestra historia explicada en los dedos de las 2 manos.
Si te animas a hacer el tuyo, siente libre de compartirlo en los comentarios
Curso De FutureLearn: 5 Finger Pitch
Actualmente estoy cursando un curso de guión a traves de la plataforma FutureLearn. Puedes ver mi perfil en https://www.futurelearn.com/profiles/13208740.
Positivo: Instructivo y clarificador
Negativo: En ingles (Puedes usar el widget para navegador de Internet del traductor de google¡FUNCIONA!)
Una de las herramientas que el curso propone es algo llamado 5 Finger Pitch ("Pitch de 5 Dedos" en español).
Imagina los 5 dedos de una de tus manos. En cada dedo tenemos:
Genero-> ¿Es misterio, es drama, es comedia?
Protagonista Principal-> ¿Quien es tu protagonista principal?
Objetivo-> ¿Que quiere?
Obstaculo-> ¿Que le impide lograr su objetivo?
Lo Importante->¿Que es lo importante de la historia?
Debes escribir la respuesta a esas preguntas de forma concisa y breve.
Puedes hacerlo sobre un proyecto propio o sobre una pelicula que hayas visto.
Positivo: Instructivo y clarificador
Negativo: En ingles (Puedes usar el widget para navegador de Internet del traductor de google¡FUNCIONA!)
Una de las herramientas que el curso propone es algo llamado 5 Finger Pitch ("Pitch de 5 Dedos" en español).
Imagina los 5 dedos de una de tus manos. En cada dedo tenemos:
Genero-> ¿Es misterio, es drama, es comedia?
Protagonista Principal-> ¿Quien es tu protagonista principal?
Objetivo-> ¿Que quiere?
Obstaculo-> ¿Que le impide lograr su objetivo?
Lo Importante->¿Que es lo importante de la historia?
Debes escribir la respuesta a esas preguntas de forma concisa y breve.
Puedes hacerlo sobre un proyecto propio o sobre una pelicula que hayas visto.
¿Te animarias a hacer tu Pitch de 5 Dedos? Si es así, siente libre de compartirlo en los comentarios
jueves, 16 de abril de 2020
Coronavirus: 7 Maneras De Hacer Frente A Una crisis Como Escritor
Para nadie es un misterio. El mundo está siendo asolado en su práctica totalidad por un virus que, ahora sentimos, no va a ser eliminado jamás. Por favor, no perdamos la esperanza. De esta vamos a salir ¡SEGURO!
El miedo y el pánico (que no debe confundirse con los imps que cambian de forma, Pain and Panic, de Disney's Hercules , que también parecen aptos teniendo en cuenta las circunstancias) se están extendiendo tan rápido como COVID-19 en estos días. En respuesta a la pandemia global, se nos ha pedido cortésmente o se nos ha ordenado que permanezcamos encerrados, dependiendo de dónde vivamos. La esperanza es que el distanciamiento social aplanará la curva de casos, mientras que el resultado es que las personas atrapadas en el interior lentamente se vuelven locas.
Si bien los escritores acostumbrados a trabajar desde casa ahora se ven obligados a hacerlo, así como a pasar todo el resto del tiempo allí también, hay formas de contener a los locos y ser productivos, si no prolíficos, en nuestra pasión elegida.
1. Primero, RESPIRA.
Es la cosa más fácil y natural del mundo. Vital para nuestra existencia, respirar es también lo primero que muchos de nosotros olvidamos hacer en tiempos de crisis. Pero los beneficios de la respiración profunda son esenciales para la supervivencia: reducción del estrés, inmunidad mejorada, aumento de energía e incluso estimula el sistema linfático (léase: desintoxica el cuerpo). Verifique, verifique y verifique los tiempos de un brote como este.
Para saber cómo practicar el enfoque de la respiración, pruebe estas técnicas de relajación de la Escuela de Medicina de Harvard. ¿Necesitas más ayuda? Las aplicaciones gratuitas de meditación como InsightTimer ofrecen una biblioteca completa de música de meditación y formas de controlar el estrés.
2. Crear rutina.
Para los escritores, apegarse a un horario de escritura puede ser bastante difícil con solo fechas límite autoimpuestas para trabajar. Trabajar donde vives también es un poco como ese otro viejo adagio; no * sabes * donde comes. Por lo tanto, quedarse en casa y en la tarea está lleno de todo tipo de desafíos. Me han dicho repetidamente que tengo suerte de poder trabajar desde casa, especialmente ahora. Hecho real. También es cierto: es más difícil de lo que parece, como la mayoría de las cosas que vale la pena tener. También hay un hogar y niños para administrar frente a mí detrás de la pantalla de mi escritorio cada vez que me siento. Es difícil silenciar la película cuando está sucediendo en tiempo real a tu alrededor ...
Ahí es donde implementar una rutina es crucial. Tal vez tuviste un trabajo "regular" de 9-5 y solo escribiste de manera astuta. Estructurar su día en torno al trabajo programado, los descansos, las comidas y los momentos familiares, tal como lo haría si se fuera al trabajo, puede significar un mundo de diferencia para la productividad ahora que está en casa a tiempo completo. Comience incorporando trabajo de respiración regular (vea arriba) como parte de su rutina matutina. Y si tienes niños en casa, ¿por qué no incluirlos? Será como el Día de traer a tu hijo al trabajo, todos los días, pero hombre, ¿tienen imaginación? Quién sabe en qué punto de la trama (PG) pueden ayudarlo a hablar.
3. Sumérgete en tu CRAFT.
Aprende algo nuevo. Tómese este tiempo de "bonificación" que todos hemos sido dotados para estudiar realmente el oficio de la escritura. Si bien normalmente nos tomaría los cinco minutos aquí o allá para escribir furiosamente en Final Draft, constantemente abierto detrás de todas las demás ventanas del escritorio, ¿por qué no usar el tiempo en el que hubiéramos elegido salir y ser social para escribir, y el cinco minutos para escuchar consejos profesionales o recoger un libro sobre manualidades, como " Story Line: Finding Gold In Your Life Story " de la consultora Jen Grisanti, porque hay mucho oro para extraer en nuestra situación actual. O si realmente quieres volverte loco (léase: esencial), " La Biblia del guionista " de David Trottier es un clásico.
4. BINGEWATCH como nunca antes.
¡También podríamos poner esto en 'sumergirse profundamente en la artesanía' dependiendo de cómo lo haga! Mira lo bueno, lo malo y lo feo. Puedes aprender de todo. Mira programas de tu género, los que has querido decir "cuando tienes tiempo" y los que están en el espíritu actual. Todos ofrecen lecciones de enseñanza para escritores. Mientras observa, tome notas. Desglose el episodio o la función para las lecciones sobre estructura y preste mucha atención a sus propias reacciones a lo que está en la pantalla. Descubrir por qué reacciona de la manera en que lo hace ante ciertas historias, personajes u opciones temáticas podría informar su propia escritura.
5. DESCLUTE su espacio para despejar su mente.
De la ansiedad, del bloqueo del escritor, de todo. Desintoxicar metódicamente su espacio de vida, y ahora de trabajo, puede crear claridad mental. Cuando mil cosas no están en su línea de visión, su mente tiene la capacidad de concentrarse mejor. Crear un espacio dedicado para trabajar también podría ayudarlo a centrarse en las tareas que tiene entre manos en lugar de en la vida hogareña.
Otra ventaja adicional de la desorganización es el acto físico en sí. Con sus manos distraídas con la acción repetitiva, su mente puede deambular y trabajar a través de puntos de la trama donde podría estar atrapado, arcos de personajes estancados o incluso soñando con su próxima mejor especificación.
6. Encuentra BALANCE en línea.
Limite su consumo de noticias y redes sociales mientras crea una comunidad en línea más fuerte. Suena como una paradoja, dices. Lo que quiero decir es que se refieren a fuentes confiables solo para las noticias de COVID-19 (como la OMS y los CDC, a saber), y limite las actualizaciones mundiales a los registros programados por día. Digamos, diez minutos para revisar tres medios de comunicación social, dos veces al día. Establezca un temporizador si es necesario. Es importante tener en cuenta que también hay mucha prensa positiva, como la forma en que las empresas están ayudando a la comunidad, los mensajes personales de esperanza y especialmente para los escritores, las ideas del entrenador de carrera de guionista Lee Jessup sobre cómo puede ser proactivo durante este " interrupción a la programación regular ".
Incline la balanza desde leer historias tristes y desplazamientos sin sentido hasta cultivar vínculos fuertes y significativos en línea. Combata el aislamiento creando registros semanales a través de FaceTime o Skype con familiares, amigos y escribiendo socios de responsabilidad. Use la función de colaboración en tiempo real de Final Draft para una forma nueva y divertida (si nunca ha escrito con un compañero) de escribir sin sentirse aún más aislado de lo habitual.
7. Escribe, luego ESCRIBE un poco más.
Las producciones pueden detenerse, pero este es el momento de ser creativo. No solo es escribir un lanzamiento catártico, sino que la creación de contenido es lo que hace girar la rueda de Hollywood. Como escritores, estamos en una posición única no solo para capturar el momento con toda su autenticidad cruda sino para traducirlo para bien o para mal. Claro, no estamos salvando vidas en las trincheras como la comunidad médica, pero hay mucho poder en las palabras. Difunde el amor. Tome buenas decisiones que tengan un impacto positivo para una comunidad que sufre. Mantente positivo.
Somos más fuertes juntos.
Ver Fuente Original .
Autora del Texto Original:Karin Maxey
El miedo y el pánico (que no debe confundirse con los imps que cambian de forma, Pain and Panic, de Disney's Hercules , que también parecen aptos teniendo en cuenta las circunstancias) se están extendiendo tan rápido como COVID-19 en estos días. En respuesta a la pandemia global, se nos ha pedido cortésmente o se nos ha ordenado que permanezcamos encerrados, dependiendo de dónde vivamos. La esperanza es que el distanciamiento social aplanará la curva de casos, mientras que el resultado es que las personas atrapadas en el interior lentamente se vuelven locas.
Si bien los escritores acostumbrados a trabajar desde casa ahora se ven obligados a hacerlo, así como a pasar todo el resto del tiempo allí también, hay formas de contener a los locos y ser productivos, si no prolíficos, en nuestra pasión elegida.
1. Primero, RESPIRA.
Es la cosa más fácil y natural del mundo. Vital para nuestra existencia, respirar es también lo primero que muchos de nosotros olvidamos hacer en tiempos de crisis. Pero los beneficios de la respiración profunda son esenciales para la supervivencia: reducción del estrés, inmunidad mejorada, aumento de energía e incluso estimula el sistema linfático (léase: desintoxica el cuerpo). Verifique, verifique y verifique los tiempos de un brote como este.
Para saber cómo practicar el enfoque de la respiración, pruebe estas técnicas de relajación de la Escuela de Medicina de Harvard. ¿Necesitas más ayuda? Las aplicaciones gratuitas de meditación como InsightTimer ofrecen una biblioteca completa de música de meditación y formas de controlar el estrés.
2. Crear rutina.
Para los escritores, apegarse a un horario de escritura puede ser bastante difícil con solo fechas límite autoimpuestas para trabajar. Trabajar donde vives también es un poco como ese otro viejo adagio; no * sabes * donde comes. Por lo tanto, quedarse en casa y en la tarea está lleno de todo tipo de desafíos. Me han dicho repetidamente que tengo suerte de poder trabajar desde casa, especialmente ahora. Hecho real. También es cierto: es más difícil de lo que parece, como la mayoría de las cosas que vale la pena tener. También hay un hogar y niños para administrar frente a mí detrás de la pantalla de mi escritorio cada vez que me siento. Es difícil silenciar la película cuando está sucediendo en tiempo real a tu alrededor ...
Ahí es donde implementar una rutina es crucial. Tal vez tuviste un trabajo "regular" de 9-5 y solo escribiste de manera astuta. Estructurar su día en torno al trabajo programado, los descansos, las comidas y los momentos familiares, tal como lo haría si se fuera al trabajo, puede significar un mundo de diferencia para la productividad ahora que está en casa a tiempo completo. Comience incorporando trabajo de respiración regular (vea arriba) como parte de su rutina matutina. Y si tienes niños en casa, ¿por qué no incluirlos? Será como el Día de traer a tu hijo al trabajo, todos los días, pero hombre, ¿tienen imaginación? Quién sabe en qué punto de la trama (PG) pueden ayudarlo a hablar.
3. Sumérgete en tu CRAFT.
Aprende algo nuevo. Tómese este tiempo de "bonificación" que todos hemos sido dotados para estudiar realmente el oficio de la escritura. Si bien normalmente nos tomaría los cinco minutos aquí o allá para escribir furiosamente en Final Draft, constantemente abierto detrás de todas las demás ventanas del escritorio, ¿por qué no usar el tiempo en el que hubiéramos elegido salir y ser social para escribir, y el cinco minutos para escuchar consejos profesionales o recoger un libro sobre manualidades, como " Story Line: Finding Gold In Your Life Story " de la consultora Jen Grisanti, porque hay mucho oro para extraer en nuestra situación actual. O si realmente quieres volverte loco (léase: esencial), " La Biblia del guionista " de David Trottier es un clásico.
4. BINGEWATCH como nunca antes.
¡También podríamos poner esto en 'sumergirse profundamente en la artesanía' dependiendo de cómo lo haga! Mira lo bueno, lo malo y lo feo. Puedes aprender de todo. Mira programas de tu género, los que has querido decir "cuando tienes tiempo" y los que están en el espíritu actual. Todos ofrecen lecciones de enseñanza para escritores. Mientras observa, tome notas. Desglose el episodio o la función para las lecciones sobre estructura y preste mucha atención a sus propias reacciones a lo que está en la pantalla. Descubrir por qué reacciona de la manera en que lo hace ante ciertas historias, personajes u opciones temáticas podría informar su propia escritura.
5. DESCLUTE su espacio para despejar su mente.
De la ansiedad, del bloqueo del escritor, de todo. Desintoxicar metódicamente su espacio de vida, y ahora de trabajo, puede crear claridad mental. Cuando mil cosas no están en su línea de visión, su mente tiene la capacidad de concentrarse mejor. Crear un espacio dedicado para trabajar también podría ayudarlo a centrarse en las tareas que tiene entre manos en lugar de en la vida hogareña.
Otra ventaja adicional de la desorganización es el acto físico en sí. Con sus manos distraídas con la acción repetitiva, su mente puede deambular y trabajar a través de puntos de la trama donde podría estar atrapado, arcos de personajes estancados o incluso soñando con su próxima mejor especificación.
6. Encuentra BALANCE en línea.
Limite su consumo de noticias y redes sociales mientras crea una comunidad en línea más fuerte. Suena como una paradoja, dices. Lo que quiero decir es que se refieren a fuentes confiables solo para las noticias de COVID-19 (como la OMS y los CDC, a saber), y limite las actualizaciones mundiales a los registros programados por día. Digamos, diez minutos para revisar tres medios de comunicación social, dos veces al día. Establezca un temporizador si es necesario. Es importante tener en cuenta que también hay mucha prensa positiva, como la forma en que las empresas están ayudando a la comunidad, los mensajes personales de esperanza y especialmente para los escritores, las ideas del entrenador de carrera de guionista Lee Jessup sobre cómo puede ser proactivo durante este " interrupción a la programación regular ".
Incline la balanza desde leer historias tristes y desplazamientos sin sentido hasta cultivar vínculos fuertes y significativos en línea. Combata el aislamiento creando registros semanales a través de FaceTime o Skype con familiares, amigos y escribiendo socios de responsabilidad. Use la función de colaboración en tiempo real de Final Draft para una forma nueva y divertida (si nunca ha escrito con un compañero) de escribir sin sentirse aún más aislado de lo habitual.
7. Escribe, luego ESCRIBE un poco más.
Las producciones pueden detenerse, pero este es el momento de ser creativo. No solo es escribir un lanzamiento catártico, sino que la creación de contenido es lo que hace girar la rueda de Hollywood. Como escritores, estamos en una posición única no solo para capturar el momento con toda su autenticidad cruda sino para traducirlo para bien o para mal. Claro, no estamos salvando vidas en las trincheras como la comunidad médica, pero hay mucho poder en las palabras. Difunde el amor. Tome buenas decisiones que tengan un impacto positivo para una comunidad que sufre. Mantente positivo.
Somos más fuertes juntos.
Ver Fuente Original .
Autora del Texto Original:Karin Maxey
martes, 14 de abril de 2020
15 Consejos Místicos Y Uno Previo Para Dramaturgos En Potencia De Alfonso Plou
“15 Consejos Místicos Y Uno Previo Para Dramaturgos En Potencia” es el artículo de Alfonso Plou que puedes encontrar en https://saquenunapluma.wordpress.com/2010/12/28/escritura-teatral-15-consejos-misticos-y-uno-previo-para-dramaturgos-en-potencia-segun-alfonso-plou/ y que yo te resumo aquí:
En el artículo el dramaturgo comienza hablando de su vida y da un consejo previo:
“ […] Y este consejo previo sería: lo que mueve a uno a convertirse en dramaturgo no puede ser meramente la voluntad de llevarlo a cabo sino la apertura emocional que puede permitir que esa experiencia socio-personal se produzca. Escribir teatro no es escribir de uno mismo sino de las relaciones con y entre los otros hasta que sean un nosotros. O escribimos con los demás o no escribamos teatro.
Y, llegados a este punto, lancemos ya ese listado de consejos a tener en cuenta si se quiere terminar siendo un dramaturgo de mayor o menor fortuna, pero de constancia contrastada con el uso escénico. Es un listado no muy estructurado, más filosófico que concreto, pero más práctico y menos místico de lo que a primera vista pueda parecer.
1.- Uno escribe lo que puede no lo que quiere.
Escribir teatro es describir la distancia que hay entre el deseo y la realidad; y esa misma distancia entre expectativas y concreciones se produce no sólo en la definición de la trama o la historia sino también entre la obra ideal que tenemos en la cabeza y la que finalmente escribimos. Tal vez la obra que tenemos como primera visión en la cabeza es más firme, pero seguro que es menos humana. Los personajes, las historias, la anagnórisis o la catarsis tienden a escribirse muchas veces por si mismas, imponiéndose a los apriorismos de escritor omnisciente y desvelando la levedad del ser humano, tanto de los personajes como del escritor que pretende atraparlos en una obra. Uno escribe lo que puede y debe hacer de esa renuncia al ideal el primer signo metafórico en la descripción del ser humano que encierra toda obra de teatro.
2.- La mejor versión de una obra de teatro es la que sube al escenario.
El teatro es arte colectivo, la literatura dramática puede serlo o no. Podemos dedicarnos al teatro como género y guardarlo en un cajón o verterlo meramente como material escrito en libros o lanzado en internet. Pero si queremos realmente ser autores de teatro debemos asumir y apreciar que el teatro es la suma de muchas voluntades y creatividades puestas en juego. El teatro trata de la dimensión social del ser humano y por ello se confecciona socialmente, haciendo del proceso de co-escritura su esencia. Cada montaje conlleva un microcosmos que como nuestros textos acarrea todas las grandezas y miserias del grupo humano.
3.- Poner a Aristóteles sobre un pedestal para derribarlo luego.
Todos los manuales prácticos de escritura teatral, todos los cursos y los consejos para aprender dramaturgia, incluidos los que ahora mismo estoy escribiendo están contenidos en uno: la Poética de Aristóteles. Mi primer consejo siempre para alguien que quiere escribir teatro es que se lea ese librito que es tan genial que incluye unas cuantas obviedades porque sus principios están en nuestro inconsciente colectivo desde tiempos remotos, pero que hay que leerlas para hacerlas conscientes. Su mandamiento básico es que una obra debe ser el desarrollo de una acción entera de cierta magnitud que determine al protagonista no por lo que dice ser sino por lo que hace y que le conduzca dicha acción a una cierta revelación.
4.- No esforzarse en ser moderno. No se puede evitar.
Creo que una frase parecida se le atribuye a Dalí. Todos somos hijos de nuestra época por lo que respondemos a ella. Se trata, eso sí, de no impostar nuestra respuesta porque si tratamos de sumarnos a una moda (y no responde a una necesidad surgida en el proceso mismo de la escritura, de la búsqueda de la historia y del compromiso con nuestros personajes) estamos condenados al fracaso íntimo aunque seamos capaces de hacer pasar temporalmente un gato por una liebre.
Tampoco hay que esforzarse en ser un clásico. Las influencias son inevitables. La intertextualidad forma parte del proceso de escritura mismo. Al escribir teatro estamos no sólo rescribiendo toda la historia del teatro sino rescribiendo también el inconsciente colectivo. La originalidad de la historia, de los personajes y de las estructuras fabulares no forma parte del motor esencial en la escritura teatral. Ni Sófocles ni Shakespeare ni Brecht ni Lorca… se inventaron la gran mayoría de las historias o los personajes de sus obras; pero si consiguieron que en la profundidad de sus diálogos y de lo que allí acontecía descubriéramos una parte de la definición del ser humano que antes no había sido definida. Lo importante no es qué sucede sino cómo sucede lo que sucede.
5.- No esforzarse en hablar de uno mismo. Uno siempre lo hace.
En la escritura teatral uno no puede aparecer sino a través de la voz del otro y lo mejor es que el otro hable por si mismo y no con la voz de uno. Sin embargo, en esta otredad, como no podía ser de otra forma, uno se desliza constantemente. Al mayor dramaturgo de la historia, Shakespeare, se le niega la identidad constantemente y, en cierto sentido la mejor identidad del autor es la ausente. Trata a tus textos como si no fueran tuyos, como si los estuviera escribiendo otro, como si fueran anónimos. Es como ser el autor de canciones populares o de chistes, su éxito radica en que circulen no en que se conozca su autoría. Los productores y los directores suelen decir que el mejor autor es el autor muerto (allá ellos con los intereses espurios que ocultan en esta frase) pero, efectivamente, el escritor de teatro debe ser como el depositario de un manuscrito anónimo que no le pertenece.
En la poesía, y muchas veces en la novela, el yo es el eje a través del cual se escribe. En el teatro el eje es el otro. Naturalmente nosotros somos también ese otro y a través de la escritura teatral nos permitimos vivir ese otro que nos negamos a través del yo. Los actores entienden este proceso perfectamente. Saben que es la esencia de su trabajo. Pero los escritores a veces se niegan a aceptarlo. Puede que en la escritura dramática sea en uno de los pocos campos del arte donde el artista como personaje casi nunca está por encima del personaje de sus obras. Incluso hoy en día, cuando hay tantos artistas proclamando que su mejor obra artística son ellos mismos.
6.- Buscar al héroe en las esquinas de la historia.
El teatro sigue siendo un arte figurativo. Es decir, el teatro sigue teniendo al hombre como eje de su creación. No creo en un teatro abstracto, conceptual… deshumanizado. Pero la deshumanización del hombre contemporáneo debe ser tratada por el teatro. En todo caso, el teatro sigue escribiéndose a través de sus personajes. El protagonista de una obra de teatro sigue siendo en principio el héroe aristotélico, un ser ni demasiado alto ni demasiado bajo, capaz de cometer su error por ser demasiado humano y capaz de pagar por ello a lo largo de las diferentes peripecias hasta descubrir que el error no está en los demás sino en su propia naturaleza.
He escrito muchas de mis obras renunciando a este principio aristotélico. Ha sido también por considerar que el hombre contemporáneo es demasiado débil para sobrellevar el fatum. Mis héroes son, generalmente, personajes que tienen la posibilidad de ser héroes pero que renuncian a serlo porque renuncian a su destino. Hoy en día vivimos sin querer pagar la factura por vivir. A pesar de todo, hay que seguir buscando los héroes en las esquinas de la historia, que por lo menos hagan de esa renuncia un ejercicio de dignidad contra el destino.
7.- En la forma está el fondo.
Si en el principio de toda función de teatro está la historia a vivir por el personaje, la manera de contar y vivir esa historia debe partir de un diálogo con la misma. No sirven las convenciones de partida. En el teatro no hay nunca un realismo puro, la realidad escénica es un invento, un constructo que surge de la historia y sus personajes. La forma debe responder a la historia como la historia responde a los personajes y estos a la acción dramática. En la forma está también el fondo. No sirve un fondo donde la forma no le corresponde. Los vertederos del arte escénico (que son muy grandes) están llenos de obras con buenas intenciones pero que no dialogan con la realidad para destruirla y construir otro mundo posible e imposible al mismo tiempo. Si no estamos seguros de aportar al menos un intento de forma con fondo más nos valía callar y dejar que sigan hablando los clásicos que época a época siguen renovando su discurso.
8.- Dialogar en el límite de lo decible.
El diálogo teatral debe estar en el filo de lo indecible. No se habla como se habla en la calle porque no hablamos en la calle sino en la escena, que es ese espacio que nos hemos inventado para decir lo que no podemos decir y vivir lo que nunca hemos vivido. Al dialogar la escritura teatral se parece más a un ejercicio poético que a uno narrativo porque no contamos lo que sucede sino que vivimos a través de los personajes su realidad íntima, más sintética y profunda de la que jamás pudiéramos vivir fuera del escenario. En una obra de una hora solemos sintetizar la experiencia vital de un personaje en casi un siglo. Esa síntesis debe llevar a la colisión con el lenguaje. Después de todo el teatro nació cantado y todos sus hitos están construidos en una fragua de herreros del lenguaje. El diálogo es nuestro vehículo y nuestro enemigo, su forma debe surgir, como la estructura de la pieza, del corazón mismo de la fábula.
9.- La publicación no es sino un trámite.
El objetivo del teatro no está en el libro. El libro es en todo caso la botella con mensaje, en espera que una tribu de salvajes la encuentre, haga suyo su contenido y decida celebrarlo poniendo en práctica los imposibles signos del rito. En todo caso el libro es una excusa más para la revisión y la reescritura. Es muy interesante cuando se produce después de la representación porque es como apuntar en unos folios el listado imperfecto de un naufragio. También sirve para depurar el estilo: cómo sugerir lo indecible. Los diálogos son la columna del material escénico y literario, las acotaciones son una trampa, mejor que provoquen y si no, suprímelas del texto definitivo.
10.- Quemar las naves y reinventarse siempre.
Si escribimos teatro es porque estamos descontentos con la realidad exterior y decidimos reinventarla como realidad interior, una realidad nueva en la que nos embarcamos dispuestos a quemar las naves una vez que llegamos a destino. Cada proceso de escritura debe ser distinto puesto que toda historia debe ser disímil a la anterior y debe articularse de diferente forma. Es fácil repetirse y si lo hacemos es mucho más fácil que no consigamos que el personaje se conmueva en escena y pueda llegar a conmovernos.
11.- Shakespeare, ese tipejo.
Si no sabes que escribir o estás atrancado o necesitas renovar las ganas de escribir teatro vuelve a Shakespeare. Si la Poética de Aristóteles es la biblia teórica las Obras Completas de William Shakespeare son la biblia práctica. Todo está allí, desde lo más arcaico a lo más contemporáneo, de la tragedia al divertimento, de la convención a la renovación constante, del grito al silencio. Su perfección está en su imperfección permanente. Su discurso está lleno de vericuetos, trampas y hallazgos. Su originalidad está en su rapiña, en ser capaz de robar casi de cualquier sitio con un único fin: hacernos creer que sus personajes se reinventan como seres humanos, más allá de la razón, sobre la escena. Nunca respeta la reglas clásicas sino que la reinventa, no hay perspectiva moderna que no halla sido apuntada en algún fragmento de sus obras. Además, como gran plagiario, está deseando ser plagiado.
12.- Persistir en el error como autor junto con los personajes.
Al escribir una obra de teatro debemos partir de un error: es el error del protagonista que debe ir pagándolo a lo largo de la obra porque se niega a reconocer que ese error sea tal y que forme parte de su naturaleza el no reconocerlo. La historia de una obra de teatro es la historia de un error, de cómo es negado, de cómo quiere ser obviado, de cómo ese error moviliza al mundo contra el personaje. Las peripecias de la historia no son sino las múltiples vidas del error, su crecimiento como bola de nieve que se desliza ladera abajo. La consecuencia final de la obra, aristotélicamente hablando, es el reconocimiento por parte personaje del error cometido y negado. Su consecuencia es el acto catártico que da pago al error, que no lo niega pero lo redime. El error y su redención quedan como los hijos del drama en la conciencia del espectador, son las perlas que se lleva sin saberlo en su conciencia. Para que la obra tenga su sentido nosotros debemos identificarnos con ese error, debemos compartirlo, ser parte del mismo. El autor debe fracasar junto con el personaje en el drama. Hoy en día los deus ex machina son más miserables como recurso que nunca y la redención debemos llevarla junto con los espectadores más allá del fin del drama, y pensar que ni aún allí a veces es posible.
13.- Escoger entre lo malo y lo peor.
Una obra de teatro es también la historia de una decisión. El protagonista debe escoger entre lo malo y lo peor. Por su error, por la hamartia que está en su naturaleza, el protagonista se empeña en escoger no lo malo sino lo peor una y otra vez. Esto provoca una cadena de peripecias trágicas o cómicas (que no son sino las dos perspectivas de una misma historia) o tragicómicas (que es una posición muy clásica y muy posmoderna). En las historias dramáticas, como en la vida con las leyes de Murphy, debemos suponer que si algo va mal seguro que puede empeorar y lo hará. Si el protagonista se empeña en su error es porque desea algo que no está en su mano pero a lo que no quiere renunciar. Los seres humanos hacemos malos pactos entre el deseo y la realidad porque si conseguimos lo que queremos nos desilusionamos, si no lo conseguimos y nos empeñamos en ello nos complicamos la existencia haciendo cosas que nos pervierten y en realidad nos alejan más de nuestros deseos originarios, y si renunciamos a nuestros deseos renunciamos a nuestra calidad de seres humanos muriéndonos un poco más por dentro. Esta imposible ecuación es el motor de todo proyecto dramatúrgico. Nuestros personajes, como nosotros mismos, están obligados a escoger, aunque durante un tiempo se nieguen, y al hacerlo se equivocan porque toda decisión es una equivocación y la no decisión también.
Como en otros casos el proceso de escritura también debe dejarse arrastrar por este mismo dilema. Al escribir decidimos por o con el personaje, nos equivocamos, cuanto más grande es nuestra equivocación, si es comprometida, mejor es la historia. Una historia de teatro es una historia de deseo, decisión y error.
En realidad los mecanismos profundos del proceso creativo teatral son los mecanismos que mueven al conocimiento doloroso. No me extraña que en un mundo tan hedonista como el actual el teatro no goce de mucha popularidad, a no ser que se disfrace con todas las pieles del cordero. En todo caso el hedonismo también conlleva muchas renuncias y muchos dolores soterrados, por lo que es perfectamente posible hablar desde el teatro con una posición hedonista y por lo tanto hablar a la sociedad actual desde una posición actual.
14.- Uno más entre muchos o el proceso colectivo.
Volvamos a insistir en el carácter colectivo del teatro. Que es su naturaleza tanto en el proceso (en su construcción) como en el destino (en su exhibición frente al público) y que por tanto lo debe ser en su origen (la definición del proyecto y la escritura del texto). Eso no es óbice, claro está, para que el momento de la escritura sea momento de una gran privacidad. Pero al escribir somos muchos porque escribimos con nuestros personajes, para escribir es importante hacer un gran silencio. Sólo en el silencio podemos oír a los fantasmas de uno mismo, que son los personajes a los que damos voz y a los que prestamos oído.
Después el escritor calla o habla lo menos posible, dejando que sea el resto del equipo (el director, los actores, el equipo artístico) el que hable desvelando claves en el texto que el escritor muchas veces no ha intuido. Y cuando aparecen las contradicciones el escritor no es un padre sino el mediador de un conflicto, alguien que busca el punto de encuentro entre voces dispares en busca de un único objetivo.
15.- Escuchar el aullido social filtrado por la trama de los sueños.
Viene a decir David Mamet que cuando el teatro funciona socialmente es porque el escritor ha sabido ser la conciencia crítica de una nación. Donde él dice nación yo prefiero decir colectividad, comunidad, ciudadanía… Decía Jung que el teatro era un lugar ideal para la exhibición pública de los complejos, un lugar para hacer visible el inconsciente colectivo. A mí me gusta pensar que los seres humanos somos esencialmente literatura, somos las historias que nos contamos a nosotros mismos de nosotros mismos y de los demás. Para ello no hace falta escribir, basta con que otros nos cuenten sus historias o con que nosotros contemos las historias que sabemos de otros. Lo hacemos constante e imparablemente. Somos una obra de teatro, una novela, un poema en perpetua escritura. Cuando pensamos que nos dirigimos hacia un determinado fin dramatúrgico nos detenemos, nos desviamos y empezamos a contar otro tipo de historia. Muy pocas veces nos contentamos con ser aristotélicos. Nos desanimamos, nos desorientamos, nos sorprendemos y caminamos en otro sentido. Vamos buscando eso: un sentido a nuestra existencia, pero la vida nos sorprende siempre mandándonos a otro sitio. A veces son los demás los que escriben nuestra dramaturgia, se empeñan en que representemos bien un papel que a ellos le parece que tiene sentido.
Con los grupos, con las sociedades es igual pero en una escala distinta. Los líderes políticos, los medios de comunicación…, se empeñan en tratar de escribir una historia en un sentido y cuando la rescriben el día posterior niegan hacer trampas y nos dicen que caminamos por la senda que ellos habían descrito. Cuando nos morimos lo único que podemos estar seguros que dejamos es un montón de historias en las personas que hemos conocido. Esas historias condicionan a nuestros lectores de la vida y su vida o su historia se ve influida por lo que de nosotros se han dicho. Un cielo laico es la literatura fabular que dejamos cuando hemos abandonado este mundo. Tendemos a repetir las historias que otros vivieron, es verdad, pero el matiz es la huella que dejamos en el mundo como seres vivos. Y si sólo somos literatura, una errante y trompicada literatura que improvisamos cada mañana, quizás el último sentido a este sinsentido que es la vida sea echarle un lazo a la fábula, domeñar una historia y dejarla vertida en algún oído.
Al escribir nos convertimos en sacerdotes de una religión literaria, tan fabularia como veraz, tan construida como apoyada en la realidad. Si queremos que el rito se cumpla y algún espectador o lector nos meta en su antología de fábulas vitales será porque hemos escuchado el aullido de lo social al tamiz de nuestros propios sueños.
Cuando me planteé escribir este artículo pensaba que iba a dar una serie de consejos prácticos y objetivos para escribir obras de teatro. Supongo que he acabado escribiendo algo de lo que es mi propia mística dramatúrgica. Y supongo que todo lo anterior es al mismo tiempo un cuento, el mendaz relato de alguien que intenta decir que escribir teatro tiene su poética, su mística, su práctica, su sentido; como si no supiera que lo que acaba de hacer es escribir un cuento más, cercano al absurdo.
Alfonso Plou
Fuente: http://www.teatrodeltemple.com
Alfonso Plou.
Zaragoza, 1964.
”
En el artículo el dramaturgo comienza hablando de su vida y da un consejo previo:
“ […] Y este consejo previo sería: lo que mueve a uno a convertirse en dramaturgo no puede ser meramente la voluntad de llevarlo a cabo sino la apertura emocional que puede permitir que esa experiencia socio-personal se produzca. Escribir teatro no es escribir de uno mismo sino de las relaciones con y entre los otros hasta que sean un nosotros. O escribimos con los demás o no escribamos teatro.
Y, llegados a este punto, lancemos ya ese listado de consejos a tener en cuenta si se quiere terminar siendo un dramaturgo de mayor o menor fortuna, pero de constancia contrastada con el uso escénico. Es un listado no muy estructurado, más filosófico que concreto, pero más práctico y menos místico de lo que a primera vista pueda parecer.
1.- Uno escribe lo que puede no lo que quiere.
Escribir teatro es describir la distancia que hay entre el deseo y la realidad; y esa misma distancia entre expectativas y concreciones se produce no sólo en la definición de la trama o la historia sino también entre la obra ideal que tenemos en la cabeza y la que finalmente escribimos. Tal vez la obra que tenemos como primera visión en la cabeza es más firme, pero seguro que es menos humana. Los personajes, las historias, la anagnórisis o la catarsis tienden a escribirse muchas veces por si mismas, imponiéndose a los apriorismos de escritor omnisciente y desvelando la levedad del ser humano, tanto de los personajes como del escritor que pretende atraparlos en una obra. Uno escribe lo que puede y debe hacer de esa renuncia al ideal el primer signo metafórico en la descripción del ser humano que encierra toda obra de teatro.
2.- La mejor versión de una obra de teatro es la que sube al escenario.
El teatro es arte colectivo, la literatura dramática puede serlo o no. Podemos dedicarnos al teatro como género y guardarlo en un cajón o verterlo meramente como material escrito en libros o lanzado en internet. Pero si queremos realmente ser autores de teatro debemos asumir y apreciar que el teatro es la suma de muchas voluntades y creatividades puestas en juego. El teatro trata de la dimensión social del ser humano y por ello se confecciona socialmente, haciendo del proceso de co-escritura su esencia. Cada montaje conlleva un microcosmos que como nuestros textos acarrea todas las grandezas y miserias del grupo humano.
3.- Poner a Aristóteles sobre un pedestal para derribarlo luego.
Todos los manuales prácticos de escritura teatral, todos los cursos y los consejos para aprender dramaturgia, incluidos los que ahora mismo estoy escribiendo están contenidos en uno: la Poética de Aristóteles. Mi primer consejo siempre para alguien que quiere escribir teatro es que se lea ese librito que es tan genial que incluye unas cuantas obviedades porque sus principios están en nuestro inconsciente colectivo desde tiempos remotos, pero que hay que leerlas para hacerlas conscientes. Su mandamiento básico es que una obra debe ser el desarrollo de una acción entera de cierta magnitud que determine al protagonista no por lo que dice ser sino por lo que hace y que le conduzca dicha acción a una cierta revelación.
4.- No esforzarse en ser moderno. No se puede evitar.
Creo que una frase parecida se le atribuye a Dalí. Todos somos hijos de nuestra época por lo que respondemos a ella. Se trata, eso sí, de no impostar nuestra respuesta porque si tratamos de sumarnos a una moda (y no responde a una necesidad surgida en el proceso mismo de la escritura, de la búsqueda de la historia y del compromiso con nuestros personajes) estamos condenados al fracaso íntimo aunque seamos capaces de hacer pasar temporalmente un gato por una liebre.
Tampoco hay que esforzarse en ser un clásico. Las influencias son inevitables. La intertextualidad forma parte del proceso de escritura mismo. Al escribir teatro estamos no sólo rescribiendo toda la historia del teatro sino rescribiendo también el inconsciente colectivo. La originalidad de la historia, de los personajes y de las estructuras fabulares no forma parte del motor esencial en la escritura teatral. Ni Sófocles ni Shakespeare ni Brecht ni Lorca… se inventaron la gran mayoría de las historias o los personajes de sus obras; pero si consiguieron que en la profundidad de sus diálogos y de lo que allí acontecía descubriéramos una parte de la definición del ser humano que antes no había sido definida. Lo importante no es qué sucede sino cómo sucede lo que sucede.
5.- No esforzarse en hablar de uno mismo. Uno siempre lo hace.
En la escritura teatral uno no puede aparecer sino a través de la voz del otro y lo mejor es que el otro hable por si mismo y no con la voz de uno. Sin embargo, en esta otredad, como no podía ser de otra forma, uno se desliza constantemente. Al mayor dramaturgo de la historia, Shakespeare, se le niega la identidad constantemente y, en cierto sentido la mejor identidad del autor es la ausente. Trata a tus textos como si no fueran tuyos, como si los estuviera escribiendo otro, como si fueran anónimos. Es como ser el autor de canciones populares o de chistes, su éxito radica en que circulen no en que se conozca su autoría. Los productores y los directores suelen decir que el mejor autor es el autor muerto (allá ellos con los intereses espurios que ocultan en esta frase) pero, efectivamente, el escritor de teatro debe ser como el depositario de un manuscrito anónimo que no le pertenece.
En la poesía, y muchas veces en la novela, el yo es el eje a través del cual se escribe. En el teatro el eje es el otro. Naturalmente nosotros somos también ese otro y a través de la escritura teatral nos permitimos vivir ese otro que nos negamos a través del yo. Los actores entienden este proceso perfectamente. Saben que es la esencia de su trabajo. Pero los escritores a veces se niegan a aceptarlo. Puede que en la escritura dramática sea en uno de los pocos campos del arte donde el artista como personaje casi nunca está por encima del personaje de sus obras. Incluso hoy en día, cuando hay tantos artistas proclamando que su mejor obra artística son ellos mismos.
6.- Buscar al héroe en las esquinas de la historia.
El teatro sigue siendo un arte figurativo. Es decir, el teatro sigue teniendo al hombre como eje de su creación. No creo en un teatro abstracto, conceptual… deshumanizado. Pero la deshumanización del hombre contemporáneo debe ser tratada por el teatro. En todo caso, el teatro sigue escribiéndose a través de sus personajes. El protagonista de una obra de teatro sigue siendo en principio el héroe aristotélico, un ser ni demasiado alto ni demasiado bajo, capaz de cometer su error por ser demasiado humano y capaz de pagar por ello a lo largo de las diferentes peripecias hasta descubrir que el error no está en los demás sino en su propia naturaleza.
He escrito muchas de mis obras renunciando a este principio aristotélico. Ha sido también por considerar que el hombre contemporáneo es demasiado débil para sobrellevar el fatum. Mis héroes son, generalmente, personajes que tienen la posibilidad de ser héroes pero que renuncian a serlo porque renuncian a su destino. Hoy en día vivimos sin querer pagar la factura por vivir. A pesar de todo, hay que seguir buscando los héroes en las esquinas de la historia, que por lo menos hagan de esa renuncia un ejercicio de dignidad contra el destino.
7.- En la forma está el fondo.
Si en el principio de toda función de teatro está la historia a vivir por el personaje, la manera de contar y vivir esa historia debe partir de un diálogo con la misma. No sirven las convenciones de partida. En el teatro no hay nunca un realismo puro, la realidad escénica es un invento, un constructo que surge de la historia y sus personajes. La forma debe responder a la historia como la historia responde a los personajes y estos a la acción dramática. En la forma está también el fondo. No sirve un fondo donde la forma no le corresponde. Los vertederos del arte escénico (que son muy grandes) están llenos de obras con buenas intenciones pero que no dialogan con la realidad para destruirla y construir otro mundo posible e imposible al mismo tiempo. Si no estamos seguros de aportar al menos un intento de forma con fondo más nos valía callar y dejar que sigan hablando los clásicos que época a época siguen renovando su discurso.
8.- Dialogar en el límite de lo decible.
El diálogo teatral debe estar en el filo de lo indecible. No se habla como se habla en la calle porque no hablamos en la calle sino en la escena, que es ese espacio que nos hemos inventado para decir lo que no podemos decir y vivir lo que nunca hemos vivido. Al dialogar la escritura teatral se parece más a un ejercicio poético que a uno narrativo porque no contamos lo que sucede sino que vivimos a través de los personajes su realidad íntima, más sintética y profunda de la que jamás pudiéramos vivir fuera del escenario. En una obra de una hora solemos sintetizar la experiencia vital de un personaje en casi un siglo. Esa síntesis debe llevar a la colisión con el lenguaje. Después de todo el teatro nació cantado y todos sus hitos están construidos en una fragua de herreros del lenguaje. El diálogo es nuestro vehículo y nuestro enemigo, su forma debe surgir, como la estructura de la pieza, del corazón mismo de la fábula.
9.- La publicación no es sino un trámite.
El objetivo del teatro no está en el libro. El libro es en todo caso la botella con mensaje, en espera que una tribu de salvajes la encuentre, haga suyo su contenido y decida celebrarlo poniendo en práctica los imposibles signos del rito. En todo caso el libro es una excusa más para la revisión y la reescritura. Es muy interesante cuando se produce después de la representación porque es como apuntar en unos folios el listado imperfecto de un naufragio. También sirve para depurar el estilo: cómo sugerir lo indecible. Los diálogos son la columna del material escénico y literario, las acotaciones son una trampa, mejor que provoquen y si no, suprímelas del texto definitivo.
10.- Quemar las naves y reinventarse siempre.
Si escribimos teatro es porque estamos descontentos con la realidad exterior y decidimos reinventarla como realidad interior, una realidad nueva en la que nos embarcamos dispuestos a quemar las naves una vez que llegamos a destino. Cada proceso de escritura debe ser distinto puesto que toda historia debe ser disímil a la anterior y debe articularse de diferente forma. Es fácil repetirse y si lo hacemos es mucho más fácil que no consigamos que el personaje se conmueva en escena y pueda llegar a conmovernos.
11.- Shakespeare, ese tipejo.
Si no sabes que escribir o estás atrancado o necesitas renovar las ganas de escribir teatro vuelve a Shakespeare. Si la Poética de Aristóteles es la biblia teórica las Obras Completas de William Shakespeare son la biblia práctica. Todo está allí, desde lo más arcaico a lo más contemporáneo, de la tragedia al divertimento, de la convención a la renovación constante, del grito al silencio. Su perfección está en su imperfección permanente. Su discurso está lleno de vericuetos, trampas y hallazgos. Su originalidad está en su rapiña, en ser capaz de robar casi de cualquier sitio con un único fin: hacernos creer que sus personajes se reinventan como seres humanos, más allá de la razón, sobre la escena. Nunca respeta la reglas clásicas sino que la reinventa, no hay perspectiva moderna que no halla sido apuntada en algún fragmento de sus obras. Además, como gran plagiario, está deseando ser plagiado.
12.- Persistir en el error como autor junto con los personajes.
Al escribir una obra de teatro debemos partir de un error: es el error del protagonista que debe ir pagándolo a lo largo de la obra porque se niega a reconocer que ese error sea tal y que forme parte de su naturaleza el no reconocerlo. La historia de una obra de teatro es la historia de un error, de cómo es negado, de cómo quiere ser obviado, de cómo ese error moviliza al mundo contra el personaje. Las peripecias de la historia no son sino las múltiples vidas del error, su crecimiento como bola de nieve que se desliza ladera abajo. La consecuencia final de la obra, aristotélicamente hablando, es el reconocimiento por parte personaje del error cometido y negado. Su consecuencia es el acto catártico que da pago al error, que no lo niega pero lo redime. El error y su redención quedan como los hijos del drama en la conciencia del espectador, son las perlas que se lleva sin saberlo en su conciencia. Para que la obra tenga su sentido nosotros debemos identificarnos con ese error, debemos compartirlo, ser parte del mismo. El autor debe fracasar junto con el personaje en el drama. Hoy en día los deus ex machina son más miserables como recurso que nunca y la redención debemos llevarla junto con los espectadores más allá del fin del drama, y pensar que ni aún allí a veces es posible.
13.- Escoger entre lo malo y lo peor.
Una obra de teatro es también la historia de una decisión. El protagonista debe escoger entre lo malo y lo peor. Por su error, por la hamartia que está en su naturaleza, el protagonista se empeña en escoger no lo malo sino lo peor una y otra vez. Esto provoca una cadena de peripecias trágicas o cómicas (que no son sino las dos perspectivas de una misma historia) o tragicómicas (que es una posición muy clásica y muy posmoderna). En las historias dramáticas, como en la vida con las leyes de Murphy, debemos suponer que si algo va mal seguro que puede empeorar y lo hará. Si el protagonista se empeña en su error es porque desea algo que no está en su mano pero a lo que no quiere renunciar. Los seres humanos hacemos malos pactos entre el deseo y la realidad porque si conseguimos lo que queremos nos desilusionamos, si no lo conseguimos y nos empeñamos en ello nos complicamos la existencia haciendo cosas que nos pervierten y en realidad nos alejan más de nuestros deseos originarios, y si renunciamos a nuestros deseos renunciamos a nuestra calidad de seres humanos muriéndonos un poco más por dentro. Esta imposible ecuación es el motor de todo proyecto dramatúrgico. Nuestros personajes, como nosotros mismos, están obligados a escoger, aunque durante un tiempo se nieguen, y al hacerlo se equivocan porque toda decisión es una equivocación y la no decisión también.
Como en otros casos el proceso de escritura también debe dejarse arrastrar por este mismo dilema. Al escribir decidimos por o con el personaje, nos equivocamos, cuanto más grande es nuestra equivocación, si es comprometida, mejor es la historia. Una historia de teatro es una historia de deseo, decisión y error.
En realidad los mecanismos profundos del proceso creativo teatral son los mecanismos que mueven al conocimiento doloroso. No me extraña que en un mundo tan hedonista como el actual el teatro no goce de mucha popularidad, a no ser que se disfrace con todas las pieles del cordero. En todo caso el hedonismo también conlleva muchas renuncias y muchos dolores soterrados, por lo que es perfectamente posible hablar desde el teatro con una posición hedonista y por lo tanto hablar a la sociedad actual desde una posición actual.
14.- Uno más entre muchos o el proceso colectivo.
Volvamos a insistir en el carácter colectivo del teatro. Que es su naturaleza tanto en el proceso (en su construcción) como en el destino (en su exhibición frente al público) y que por tanto lo debe ser en su origen (la definición del proyecto y la escritura del texto). Eso no es óbice, claro está, para que el momento de la escritura sea momento de una gran privacidad. Pero al escribir somos muchos porque escribimos con nuestros personajes, para escribir es importante hacer un gran silencio. Sólo en el silencio podemos oír a los fantasmas de uno mismo, que son los personajes a los que damos voz y a los que prestamos oído.
Después el escritor calla o habla lo menos posible, dejando que sea el resto del equipo (el director, los actores, el equipo artístico) el que hable desvelando claves en el texto que el escritor muchas veces no ha intuido. Y cuando aparecen las contradicciones el escritor no es un padre sino el mediador de un conflicto, alguien que busca el punto de encuentro entre voces dispares en busca de un único objetivo.
15.- Escuchar el aullido social filtrado por la trama de los sueños.
Viene a decir David Mamet que cuando el teatro funciona socialmente es porque el escritor ha sabido ser la conciencia crítica de una nación. Donde él dice nación yo prefiero decir colectividad, comunidad, ciudadanía… Decía Jung que el teatro era un lugar ideal para la exhibición pública de los complejos, un lugar para hacer visible el inconsciente colectivo. A mí me gusta pensar que los seres humanos somos esencialmente literatura, somos las historias que nos contamos a nosotros mismos de nosotros mismos y de los demás. Para ello no hace falta escribir, basta con que otros nos cuenten sus historias o con que nosotros contemos las historias que sabemos de otros. Lo hacemos constante e imparablemente. Somos una obra de teatro, una novela, un poema en perpetua escritura. Cuando pensamos que nos dirigimos hacia un determinado fin dramatúrgico nos detenemos, nos desviamos y empezamos a contar otro tipo de historia. Muy pocas veces nos contentamos con ser aristotélicos. Nos desanimamos, nos desorientamos, nos sorprendemos y caminamos en otro sentido. Vamos buscando eso: un sentido a nuestra existencia, pero la vida nos sorprende siempre mandándonos a otro sitio. A veces son los demás los que escriben nuestra dramaturgia, se empeñan en que representemos bien un papel que a ellos le parece que tiene sentido.
Con los grupos, con las sociedades es igual pero en una escala distinta. Los líderes políticos, los medios de comunicación…, se empeñan en tratar de escribir una historia en un sentido y cuando la rescriben el día posterior niegan hacer trampas y nos dicen que caminamos por la senda que ellos habían descrito. Cuando nos morimos lo único que podemos estar seguros que dejamos es un montón de historias en las personas que hemos conocido. Esas historias condicionan a nuestros lectores de la vida y su vida o su historia se ve influida por lo que de nosotros se han dicho. Un cielo laico es la literatura fabular que dejamos cuando hemos abandonado este mundo. Tendemos a repetir las historias que otros vivieron, es verdad, pero el matiz es la huella que dejamos en el mundo como seres vivos. Y si sólo somos literatura, una errante y trompicada literatura que improvisamos cada mañana, quizás el último sentido a este sinsentido que es la vida sea echarle un lazo a la fábula, domeñar una historia y dejarla vertida en algún oído.
Al escribir nos convertimos en sacerdotes de una religión literaria, tan fabularia como veraz, tan construida como apoyada en la realidad. Si queremos que el rito se cumpla y algún espectador o lector nos meta en su antología de fábulas vitales será porque hemos escuchado el aullido de lo social al tamiz de nuestros propios sueños.
Cuando me planteé escribir este artículo pensaba que iba a dar una serie de consejos prácticos y objetivos para escribir obras de teatro. Supongo que he acabado escribiendo algo de lo que es mi propia mística dramatúrgica. Y supongo que todo lo anterior es al mismo tiempo un cuento, el mendaz relato de alguien que intenta decir que escribir teatro tiene su poética, su mística, su práctica, su sentido; como si no supiera que lo que acaba de hacer es escribir un cuento más, cercano al absurdo.
Alfonso Plou
Fuente: http://www.teatrodeltemple.com
Alfonso Plou.
Zaragoza, 1964.
”
viernes, 27 de marzo de 2020
El Teatro Como Santuario
Hoy quiero compartir una entrada acerca del teatro del blog de Asociación Taetro. El enlace al blog se encuentra abajo. Aquí tienes el texto del artículo :
El teatro como santuario
El Instituto Internacional del Teatro (International Theatre Institute ITI) ha dado a conocer el Mensaje del Día Mundial del Teatro correspondiente a 2020, cuyo autor es el galardonado dramaturgo pakistaní Shahid Nadeem, fundador y director del Ajoka Theatre.
El teatro como santuario
Al final de una representación de la obra de teatro de Ajoka sobre el poeta sufí Bulleh Shah, un anciano, acompañado por un niño, se acercó hasta el actor que había interpretado el papel del gran sufí. "Mi nieto no se encuentra bien, ¿podría bendecirlo?", dijo. El actor se sorprendió y contesto: "No soy Bulleh Shah, solo soy un actor que interpreta el papel". El anciano entonces contestó: "Hijo, no eres un actor, eres una reencarnación de Bulleh Shah, su Avatar".
De repente, se nos ocurrió un concepto completamente nuevo de teatro, donde el actor se convierte en la reencarnación del personaje que interpreta.
Explorar historias como la de Bulleh Shah, historias como ésta existen en todas las culturas y pueden convertirse en un puente entre nosotros, los creadores de teatro, y una audiencia desconocida pero entusiasta.
Mientras actuamos en el escenario, a veces nos dejamos llevar por nuestra filosofía del teatro, en nuestro papel como precursores del cambio social a veces dejamos atrás a gran parte de la comunidad.
En nuestro compromiso con los desafíos del presente, nos privamos de las posibilidades de una experiencia espiritual profundamente conmovedora que el teatro puede proporcionar.
En el mundo de hoy donde la intolerancia, el odio y la violencia están en aumento, nuestro planeta se está hundiendo cada vez más en una catástrofe climática, necesitamos reponer nuestra fuerza espiritual.
Necesitamos luchar contra la apatía, el letargo, el pesimismo, la avaricia y el desprecio por el mundo en que vivimos, por el planeta en el que vivimos.
El teatro tiene un papel, un papel noble, debe dinamizar y hacer avanzar a la humanidad, ayudarla a levantarse antes de que caiga en un abismo.
El teatro puede convertir el escenario en un templo, el espacio de actuación, en algo sagrado. En el sur de Asia, los artistas tocan con reverencia el piso del escenario antes de pisarlo, una antigua tradición en la que lo espiritual y lo cultural estaban entrelazados.
Es hora de recuperar esa relación simbiótica entre el artista y el público, el pasado y el futuro. Hacer teatro puede ser un acto sagrado y los actores pueden convertirse en los avatares de los roles que desempeñan.
El teatro tiene el potencial transformador de convertir la escena en un santuario y ese santuario en un espacio de actuación.
El teatro como santuario
Al final de una representación de la obra de teatro de Ajoka sobre el poeta sufí Bulleh Shah, un anciano, acompañado por un niño, se acercó hasta el actor que había interpretado el papel del gran sufí. "Mi nieto no se encuentra bien, ¿podría bendecirlo?", dijo. El actor se sorprendió y contesto: "No soy Bulleh Shah, solo soy un actor que interpreta el papel". El anciano entonces contestó: "Hijo, no eres un actor, eres una reencarnación de Bulleh Shah, su Avatar".
De repente, se nos ocurrió un concepto completamente nuevo de teatro, donde el actor se convierte en la reencarnación del personaje que interpreta.
Explorar historias como la de Bulleh Shah, historias como ésta existen en todas las culturas y pueden convertirse en un puente entre nosotros, los creadores de teatro, y una audiencia desconocida pero entusiasta.
Mientras actuamos en el escenario, a veces nos dejamos llevar por nuestra filosofía del teatro, en nuestro papel como precursores del cambio social a veces dejamos atrás a gran parte de la comunidad.
En nuestro compromiso con los desafíos del presente, nos privamos de las posibilidades de una experiencia espiritual profundamente conmovedora que el teatro puede proporcionar.
En el mundo de hoy donde la intolerancia, el odio y la violencia están en aumento, nuestro planeta se está hundiendo cada vez más en una catástrofe climática, necesitamos reponer nuestra fuerza espiritual.
Necesitamos luchar contra la apatía, el letargo, el pesimismo, la avaricia y el desprecio por el mundo en que vivimos, por el planeta en el que vivimos.
El teatro tiene un papel, un papel noble, debe dinamizar y hacer avanzar a la humanidad, ayudarla a levantarse antes de que caiga en un abismo.
El teatro puede convertir el escenario en un templo, el espacio de actuación, en algo sagrado. En el sur de Asia, los artistas tocan con reverencia el piso del escenario antes de pisarlo, una antigua tradición en la que lo espiritual y lo cultural estaban entrelazados.
Es hora de recuperar esa relación simbiótica entre el artista y el público, el pasado y el futuro. Hacer teatro puede ser un acto sagrado y los actores pueden convertirse en los avatares de los roles que desempeñan.
El teatro tiene el potencial transformador de convertir la escena en un santuario y ese santuario en un espacio de actuación.
lunes, 25 de noviembre de 2019
lunes, 11 de noviembre de 2019
Incluir Citas/Poemas
¿Has encontrado una cita de un libro que te ha gustado? ¿Leíste un poema que te enamoró?
Si es así puedes estar seguro de que puedes incluir tu cita/poema en tu guión.
Un ejemplo de ello es la saga "Crepúsculo". Ya sé lo que me vas a decir: "Menudo truño", "Eso no es cine"...
A lo que voy es que en una de las películas de la saga el guionista, y creo que la autora en el libro también, hace que la protagonista haga una pequeña disertación sobre el frío y el calor, e introduce un poema de Jack Frost.
La razón es que, al parecer, al/a la guionista, y puede que a la autora de la saga, le/les guste ese poema en concreto y lo haya/hayan incluido en el proyecto.
Tú puedes hacer lo mismo en tu guión. Lo único que debes tener en cuenta a la hora de hacerlo, tu guión debe conservar una cierta coherencia y una solidez más que considerable.
lunes, 4 de noviembre de 2019
Desarrollo De Personajes
Llegó la hora de hacer algo importante: Desarrollar tus personajes.
Puedes hacerlo a traves de fichas en las que dices todo acerca de ellos (Estilo de vida, vestuario, forma de pensar...) pero de nada te va a servir saber que a tu protagonista le da alergia el maní si no lo vas a usar en el guión como parte de la historia, si no hay ningún punto de la historia en el que esa alergia le cause al protagonista, o a otro personaje con el mismo problema, un conflicto en alguna escena muy concreta.
Aún así puede ser interesante, no sólo para ti como autor/a de la historia, sino tambien para aquellos que vayan a formar parte del proyecto(actores, directores, productores, directores de casting...) A unos porque les va a ayudar a tener en mente un perfil para conocer al personaje y para otros es una guía para saber qué clase de persona deben buscar para que haga ese papel.
La otra opcion es esribir un monologo con cosas que el personaje diría. Algo así como una forma de que el personaje se presente, hable de su vida, de su opinión acerca de un tema muy concreto...
Ahora es tu turno decidir que metodo prefieres.
Puedes hacerlo a traves de fichas en las que dices todo acerca de ellos (Estilo de vida, vestuario, forma de pensar...) pero de nada te va a servir saber que a tu protagonista le da alergia el maní si no lo vas a usar en el guión como parte de la historia, si no hay ningún punto de la historia en el que esa alergia le cause al protagonista, o a otro personaje con el mismo problema, un conflicto en alguna escena muy concreta.
Aún así puede ser interesante, no sólo para ti como autor/a de la historia, sino tambien para aquellos que vayan a formar parte del proyecto(actores, directores, productores, directores de casting...) A unos porque les va a ayudar a tener en mente un perfil para conocer al personaje y para otros es una guía para saber qué clase de persona deben buscar para que haga ese papel.
La otra opcion es esribir un monologo con cosas que el personaje diría. Algo así como una forma de que el personaje se presente, hable de su vida, de su opinión acerca de un tema muy concreto...
Ahora es tu turno decidir que metodo prefieres.
miércoles, 25 de septiembre de 2019
Aviso De Cambios
Buscando ofrecer una mejor calidad de contenidos y una mejor estética, voy a renovar el blog.
La idea es cambiar el fondo y el nombre para que este último sea más fácil de recordar. Su nombre nuevo será "Jaque A Primera Dama". Posiblemente la dirección web pueda ser la misma que el nombre, y el fondo algo relacionado con el tema del blog.
Perdón por las molestias.
La idea es cambiar el fondo y el nombre para que este último sea más fácil de recordar. Su nombre nuevo será "Jaque A Primera Dama". Posiblemente la dirección web pueda ser la misma que el nombre, y el fondo algo relacionado con el tema del blog.
Perdón por las molestias.
martes, 3 de septiembre de 2019
Invención
Más allá de todo el trabajo que debes hacer para escribir tu propio guión, desde la Idea hasta el Guión Literario Final, pasando por la Documentación, el Storyline...hay algo que es muy importante en este trabajo: La Invención.
Según el diccionario, una de las acepciones de Invención es:
Para que tu trabajo sea memorable debes sacar a relucir toda tu imaginación, esa que cuando peque te decían que sería lo que te metería en grandes problemas algún día, sí esa. Mira tú por donde, en esta ocasión, será lo que te ayude a escribir tu guión de cine. Y, con suerte, uno que te van a aceptar en la productora a la que lo envíes.
Según el diccionario, una de las acepciones de Invención es:
"Creación, diseño o producción de alguna cosa nueva que antes no existía."
Para que tu trabajo sea memorable debes sacar a relucir toda tu imaginación, esa que cuando peque te decían que sería lo que te metería en grandes problemas algún día, sí esa. Mira tú por donde, en esta ocasión, será lo que te ayude a escribir tu guión de cine. Y, con suerte, uno que te van a aceptar en la productora a la que lo envíes.
domingo, 25 de agosto de 2019
Escaleta
Una de las tareas que puede hacerte más pesadas de realizar...pero la que más te va a ayudar a escribir un buen guión.
Según AprenderCine.Com, una de mis webs favoritas, una escaleta es:
Y es la definición más acertada que vas a poder encontrar. Piensa en uno de esos "mamotretos" a los que los fabricantes llaman "libro de instrucciones" y que vienen cuando compras un aparato (un DVD, una televisión, un ordenador, un microondas,...).
Ese "librito"(n.a: viva el sarcasmo) te dice paso a paso lo que debes hacer para instalar el aparato y comenzar a usarlo.¿cierto? Pues, una escaleta es más o menos eso. Un documento donde va escrito paso a paso y escena por escena que hace o dice cada personaje según el momento de la pelicula en la que se encuentra.
También vas a encontrar escaletas en radio y televisión. Pero, en esos casos, se le da un uso muy diferente, puesto que la escaleta de radio y televisión sirve para ver los bloques del programa, que temas hay que tratar, donde hay que insertar la publicidad,...
En cine, la escaleta nos da una estructura argumental, ayudándonos a saber donde van los puntos de giro, si la escena funciona o es mejor cambiarla,...
Obviamente también son útiles en la narrativa, o si en lugar de un guión de cine, lo que quieres es escribir el libreto de una obra de teatro.
En el enlace de arriba tienes mucha información sobre como hacer una escaleta. Pero, para que vayas entrando en materia te diré que la estructura de esta es:
1.- María maldice al despertador y se levanta de la cama
2.- María sale de la casa.
3.- María se da cuenta de que lleva puestas las zapatillas de casa.
4.- María busca las llaves de casa
5.- María se da cuenta de que se las ha dejado dentro
6.- María le pide a su vecina que le preste el teléfono de su casa para llamar a un cerrajero
La sucesión de escenas es muy simple y fácil de ver:
María se levanta de la cama tarde porque no ha oído el despertador. Esto hace que salga de casa sin darse cuenta del calzado que lleva. Esto no habría pasado si la protagonista hubiese podido escuchar el despertador¿cierto? Lo que pasa a continuación es producto de lo anterior.
La protagonista busca las llaves de casa para poder entrar a cambiarse el calzado, pero...con las prisas se ha dejado las llaves de la casa dentro, lo que la lleva a pedirle a su vecina que le deje llamar a un cerrajero desde el teléfono de su casa,
Según AprenderCine.Com, una de mis webs favoritas, una escaleta es:
Una lista de escenas o secuencias de una historia. Es decir, es como el indice de una película.
Y es la definición más acertada que vas a poder encontrar. Piensa en uno de esos "mamotretos" a los que los fabricantes llaman "libro de instrucciones" y que vienen cuando compras un aparato (un DVD, una televisión, un ordenador, un microondas,...).
Ese "librito"(n.a: viva el sarcasmo) te dice paso a paso lo que debes hacer para instalar el aparato y comenzar a usarlo.¿cierto? Pues, una escaleta es más o menos eso. Un documento donde va escrito paso a paso y escena por escena que hace o dice cada personaje según el momento de la pelicula en la que se encuentra.
También vas a encontrar escaletas en radio y televisión. Pero, en esos casos, se le da un uso muy diferente, puesto que la escaleta de radio y televisión sirve para ver los bloques del programa, que temas hay que tratar, donde hay que insertar la publicidad,...
En cine, la escaleta nos da una estructura argumental, ayudándonos a saber donde van los puntos de giro, si la escena funciona o es mejor cambiarla,...
Obviamente también son útiles en la narrativa, o si en lugar de un guión de cine, lo que quieres es escribir el libreto de una obra de teatro.
En el enlace de arriba tienes mucha información sobre como hacer una escaleta. Pero, para que vayas entrando en materia te diré que la estructura de esta es:
1.- María maldice al despertador y se levanta de la cama
2.- María sale de la casa.
3.- María se da cuenta de que lleva puestas las zapatillas de casa.
4.- María busca las llaves de casa
5.- María se da cuenta de que se las ha dejado dentro
6.- María le pide a su vecina que le preste el teléfono de su casa para llamar a un cerrajero
La sucesión de escenas es muy simple y fácil de ver:
María se levanta de la cama tarde porque no ha oído el despertador. Esto hace que salga de casa sin darse cuenta del calzado que lleva. Esto no habría pasado si la protagonista hubiese podido escuchar el despertador¿cierto? Lo que pasa a continuación es producto de lo anterior.
La protagonista busca las llaves de casa para poder entrar a cambiarse el calzado, pero...con las prisas se ha dejado las llaves de la casa dentro, lo que la lleva a pedirle a su vecina que le deje llamar a un cerrajero desde el teléfono de su casa,
lunes, 19 de agosto de 2019
Documentación
Ya tienes la idea de tu guión, las sinopsis y el argumento. Ahora llega un paso que debes dar, incluso antes del argumento: La Documentación.
¿En que consiste? Según nuestra querida Tita Wiki estamos hablando de:
Supongamos que estás escribiendo una historia de amor durante la guerra fría o una historia de detectives en la época de William Shakespeare.
Para darle sentido y credibilidad a tu guión necesitas estar informado sobre la época en la que se desarrolla tu historia (acontecimientos relevantes, fechas, vestuario...), si es de detectives tienes que prepararte para conocer ese oficio (técnicas y métodos de investigación,herramientas que se usaban en la época para desarrollar ese trabajo en concreto...)
Es mucha la información que debes recopilar para poder escribir un guión creíble, lo sé, pero de eso se trata esta profesión. De conocer un poco de Historia, un poco, quizás bastante, de Psicología,...
¿En que consiste? Según nuestra querida Tita Wiki estamos hablando de:
el procesamiento de información que otorgará datos específicos sobre un tema determinadolo que significa que debes informarte y recopilar la máxima información posible para facilitarte el trabajo que tienes por delante.
Supongamos que estás escribiendo una historia de amor durante la guerra fría o una historia de detectives en la época de William Shakespeare.
Para darle sentido y credibilidad a tu guión necesitas estar informado sobre la época en la que se desarrolla tu historia (acontecimientos relevantes, fechas, vestuario...), si es de detectives tienes que prepararte para conocer ese oficio (técnicas y métodos de investigación,herramientas que se usaban en la época para desarrollar ese trabajo en concreto...)
Es mucha la información que debes recopilar para poder escribir un guión creíble, lo sé, pero de eso se trata esta profesión. De conocer un poco de Historia, un poco, quizás bastante, de Psicología,...
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He aquí un tema complicado ¿cierto?: "Soy guionista, ya he escrito mis primeros guiones y acabo de recibir mi primer encargo, y ahor... -
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